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24/8/2018 - SALVATORE ARANCIO | SURREAL SCIENCE: LOUDON COLLECTION WITH SALVATORE ARANCIO, WHITECHAPEL GALLERY, LONDON, UK

Exhibition dates: August 24th, 2018 – January 6th, 2019 Gallery 7, Free Entry Fascinated by scientific breakthroughs from the Enlightenment…

Exhibition dates: August 24th, 2018 – January 6th, 2019

Gallery 7, Free Entry

Fascinated by scientific breakthroughs from the Enlightenment to the 19th and early 20th centuries, George Loudon is a Dutch collector based in the UK who collects objects relating to the study and teaching of the life sciences. Made by skilled artisans, these objects range from beautifully illustrated books to papier-mâché anatomical models, exquisite magic lantern slides, taxidermied animals and bisected human skulls.

Surreal Science continues the Whitechapel Gallery’s commitment to showing rarely seen public and private collections, and presents objects from the George Loudon Collection selected by the artist Salvatore Arancio (b. 1974, Italy). Arancio, who works in diverse media including ceramics, etching, collage, animation and video, shares many of the same research interests and creates new works for the display.

 

Artists

5/7/2018 - LUISA GARDINI | TRIMINI RISING, BELMACZ, LONDON, UK

Exhibition dates: July 5th - August 31st, 2018 Trimini Rising exposes the intergenerational conversation between three sculptural practices, underlining similarities…

Exhibition dates: July 5th - August 31st, 2018

Trimini Rising exposes the intergenerational conversation between three sculptural practices, underlining similarities and opposition in process and context over a fifty-year period. The three artists, exhibited together for the first time, share a common interest in exploring the relationship between form and materiality.

Contemporaries Stano Filko (1937 – 2015) and Luisa Gardini (b.1935) practiced from the early 1960s, enlarging the spectrum of the Assemblage movement in their respective cities: Bratislava and Rome. Both sidestepping any clear allocation, they have somehow remained independent and trans-disciplinary throughout their extensive careers.

Works by Filko and Gardini will be shown together with equally prolific, London-based, Polish-born artist Magdalena Drwiega (b. 1971). Working consistently with bold colours and surprising elements, her works juxtapose gathered elements and ur-forms in a playful yet melancholic manner.

30/6/2018 - SALVATORE ARANCIO | CERAMICS NOW. 60° PREMIO FAENZA SPECIAL EDITION, MIC, FAENZA, ITALY

Exhibition dates: 30th June - 7 October, 2018   CERAMICS NOW. 60° PREMIO FAENZA SPECIAL EDITION, MIC, FAENZA, ITALY Inaugurazione…

Exhibition dates: 30th June - 7 October, 2018

 

CERAMICS NOW. 60° PREMIO FAENZA SPECIAL EDITION, MIC, FAENZA, ITALY

Inaugurazione Venerdì 29 giugno, ore 19:00

Compie 80 anni - per 60 edizioni - lo storico Concorso Internazionale della Ceramica d’arte contemporanea – Premio Faenza. La prima edizione nazionale fu realizzata nel 1938 e dal 1964 divenne internazionale. Il concorso, tra i più riconosciuti al mondo, è stato fondamentale per traghettare il pubblico e il mondo dell’arte dalla concezione di ceramica come materia esclusivamente artigianale a materia “alta” per la scultura d’arte. Nel corso degli anni il Concorso ha visto protagonisti del calibro di Lucio Fontana, Leoncillo Leonardi, Angelo Biancini, Guido Gambone, Pietro Melandri, Carlo Zauli - e stranieri - Eduard Chapallaz, Sueharu Fukami - che hanno fatto non solo la storia della ceramica del XX secolo, ma anche quella della scultura e della pittura.

Per celebrare la 60esima edizione, da circa tre anni, il museo sta preparando un evento speciale. L’edizione del 2018 si trasforma in una grande Biennale della Ceramica Contemporanea Internazionale, ad invito, curata dai critici d’arte internazionali. In mostra dal 30 giugno al 7 ottobre 2018 a Faenza saranno raccolte le ricerche d’arte contemporanea più innovative di Maestri internazionalmente affermati e di giovani riconosciuti talenti.

I 17 curatori coinvolti hanno selezionato 56 artisti di fama internazionale per mappare lo stato dell’arte ceramica internazionale oggi. Non solo scultura ma anche, e soprattutto, progetti installativi e performativi saranno i veri protagonisti di questa esposizione.

Elenco dei curatori: Sandra Benadretti, Luca Bochicchio, Irene Biolchini, Claudia Casali, Monika Gass, Wendy Geers, Grant Gibson, Tomo Hirai, Jacques Kaufmann, Torbjorn Kvasbo, Alessandra Laitempergher, Elaine Henry, Jelena Popovic, Urmas Puhkan, Vittorio Amedeo Sacco, Nathalie Shu-ling Chiang, Marco Tonelli.

Elenco degli artisti: Ruhwald Anders, (DK/USA); Eugenj Antufiev, 1991 (RUS); Salvatore Arancio, 1974 (IT/GB); Neil Brownsword, 1974 (GB); Bertozzi & Casoni, 1957-1961 (IT); Arianna Carossa (IT/USA); Fernando Casasempere, 1958 (CHI/GB); Bruno Ceccobelli, 1952 (IT); Caroline Cheng (CHI); Chang Ching-yuan, 1960 (TAW); Salvatore Cuschera, 1958 (IT/GB); Canan Dagdelen (TUR/A); Giuseppe Ducrot, 1964 (IT); Clementine Dupré, 1978 (F); Efrat Eyal (ISR); Alessandro Gallo, 1974 (IT/USA); Mia E Göransson, 1961 (SWE); Michel Gouery, 1959 (F); Chen Guanghui (CHI); Satoru Hoshino (JAP); Thomas Hirschler, 1965 (D); Tsubasa Kato (JAP); Katrine Køster Holst, (DK); Anna Dorothea Klug, 1984 (D); Liu Jianhua, 1962 (CHI); Luigi Mainolfi, 1948 (IT); Shozo Michikawa (JAP); Johannes Nagel, 1979 (D); Harumi Nakashima, 1950 (JAP); Ngozi Omeje Ezema, (NIG); Pekka Paikkari (FIN); Eva Pelechova, (CEC); Alessandro Pessoli, 1963 (IT/USA); Paolo Polloniato, 1979 (IT); Irina Razumovskaya, 1990 (RUS); Leo Rohlin, 1929 (EST); Annabeth Rosen, 1957 (USA); Kathy Ruttenberg (USA); Kim Sangwoo, 1976 (COR/F); Brendan Lee Satish Tang, 1975 (CAN); Scuotto (IT); Kim Simonsson, 1974 (FIN); Vera Stankovic, (SLO/SER); Sudarshan Shetty (India); Johan Tahon, 1965 (B); Alessio Tasca, 1929 (IT); Johnson Tsang, 1960 (CHI); Antonio Violetta, 1953 (IT); Jiang Yanze (CHI); Hsu Yung-hsu (TAW); Anne Wenzel, (D/NED); Paula Winokur (USA); Velico Zejak, 1980 (SLO); Simon Jozsef Zsolt (HU)

La mostra è organizzata grazie al sostegno di Regione Emilia-Romagna, Fondazione Cassa di Risparmio di Ravenna, Fondazione Banca del Monte e Cassa di Risparmio Faenza, Caviro

Con il patrocinio di Regione Emilia Romagna, Provincia di Ravenna, Comune di Faenza, Anno Europeo della Cultura, Aic (International Academy of Ceramics), ICOM, 50° Premio Europa Faenza

Con la collaborazione tecnica di Officine Saffi

Media partner: La ceramica Moderna e Antica

30 giugno - 7 ottobre
Inaugurazione Venerdì 29 giugno, ore 19:00

Compie 80 anni - per 60 edizioni - lo storico Concorso Internazionale della Ceramica d’arte contemporanea – Premio Faenza. La prima edizione nazionale fu realizzata nel 1938 e dal 1964 divenne internazionale. Il concorso, tra i più riconosciuti al mondo, è stato fondamentale per traghettare il pubblico e il mondo dell’arte dalla concezione di ceramica come materia esclusivamente artigianale a materia “alta” per la scultura d’arte. Nel corso degli anni il Concorso ha visto protagonisti del calibro di Lucio Fontana, Leoncillo Leonardi, Angelo Biancini, Guido Gambone, Pietro Melandri, Carlo Zauli - e stranieri - Eduard Chapallaz, Sueharu Fukami - che hanno fatto non solo la storia della ceramica del XX secolo, ma anche quella della scultura e della pittura.

Per celebrare la 60esima edizione, da circa tre anni, il museo sta preparando un evento speciale. L’edizione del 2018 si trasforma in una grande Biennale della Ceramica Contemporanea Internazionale, ad invito, curata dai critici d’arte internazionali. In mostra dal 30 giugno al 7 ottobre 2018 a Faenza saranno raccolte le ricerche d’arte contemporanea più innovative di Maestri internazionalmente affermati e di giovani riconosciuti talenti.

 

17 curatori coinvolti hanno selezionato 56 artisti di fama internazionale per mappare lo stato dell’arte ceramica internazionale oggi. Non solo scultura ma anche, e soprattutto, progetti installativi e performativi saranno i veri protagonisti di questa esposizione.

Elenco dei curatori: Sandra Benadretti, Luca Bochicchio, Irene Biolchini, Claudia Casali, Monika Gass, Wendy Geers, Grant Gibson, Tomo Hirai, Jacques Kaufmann, Torbjorn Kvasbo, Alessandra Laitempergher, Elaine Henry, Jelena Popovic, Urmas Puhkan, Vittorio Amedeo Sacco, Nathalie Shu-ling Chiang, Marco Tonelli.

 

Elenco degli artisti: Ruhwald Anders, (DK/USA); Eugenj Antufiev, 1991 (RUS); Salvatore Arancio, 1974 (IT/GB); Neil Brownsword, 1974 (GB); Bertozzi & Casoni, 1957-1961 (IT); Arianna Carossa (IT/USA); Fernando Casasempere, 1958 (CHI/GB); Bruno Ceccobelli, 1952 (IT); Caroline Cheng (CHI); Chang Ching-yuan, 1960 (TAW); Salvatore Cuschera, 1958 (IT/GB); Canan Dagdelen (TUR/A); Giuseppe Ducrot, 1964 (IT); Clementine Dupré, 1978 (F); Efrat Eyal (ISR); Alessandro Gallo, 1974 (IT/USA); Mia E Göransson, 1961 (SWE); Michel Gouery, 1959 (F); Chen Guanghui (CHI); Satoru Hoshino (JAP); Thomas Hirschler, 1965 (D); Tsubasa Kato (JAP); Katrine Køster Holst, (DK); Anna Dorothea Klug, 1984 (D); Liu Jianhua, 1962 (CHI); Luigi Mainolfi, 1948 (IT); Shozo Michikawa (JAP); Johannes Nagel, 1979 (D); Harumi Nakashima, 1950 (JAP); Ngozi Omeje Ezema, (NIG); Pekka Paikkari (FIN); Eva Pelechova, (CEC); Alessandro Pessoli, 1963 (IT/USA); Paolo Polloniato, 1979 (IT); Irina Razumovskaya, 1990 (RUS); Leo Rohlin, 1929 (EST); Annabeth Rosen, 1957 (USA); Kathy Ruttenberg (USA); Kim Sangwoo, 1976 (COR/F); Brendan Lee Satish Tang, 1975 (CAN); Scuotto (IT); Kim Simonsson, 1974 (FIN); Vera Stankovic, (SLO/SER); Sudarshan Shetty (India); Johan Tahon, 1965 (B); Alessio Tasca, 1929 (IT); Johnson Tsang, 1960 (CHI); Antonio Violetta, 1953 (IT); Jiang Yanze (CHI); Hsu Yung-hsu (TAW); Anne Wenzel, (D/NED); Paula Winokur (USA); Velico Zejak, 1980 (SLO); Simon Jozsef Zsolt (HU)

 

 

La mostra è organizzata grazie al sostegno di Regione Emilia-Romagna, Fondazione Cassa di Risparmio di Ravenna, Fondazione Banca del Monte e Cassa di Risparmio Faenza, Caviro

Con il patrocinio di Regione Emilia Romagna, Provincia di Ravenna, Comune di Faenza, Anno Europeo della Cultura, Aic (International Academy of Ceramics), ICOM, 50° Premio Europa Faenza

Con la collaborazione tecnica di Officine Saffi

Media partner: La ceramica Moderna e Antica

 

 

Inaugurazione 29 giugno, ore 19

29/6/2018 - SALVATORE ARANCIO | CLASSIC RELOADED. MEDITERRANEA, VILLA AUDI MOSAIC MUSEUM, BEIRUT, LEBANON

Exhibition dates: 29th June - 2nd September 2018 Villa Audi – Mosaic Museum, Beirut In November 2018 the exhibition may…

Exhibition dates: 29th June - 2nd September 2018

Villa Audi – Mosaic Museum, Beirut

In November 2018 the exhibition may be seen at the Bardo National Museum in Tunis

Classic Reloaded. Mediterranea is an exhibition curated by Dr. Bartolomeo Pietromarchi, MAXXI Arte Director.

This exhibition features works by 13 contemporary Italian artists that are part of the collections of the MAXXI Museum in Rome: Salvatore Arancio, Maurizio Cattelan, Enzo Cucchi, Gino De Dominicis, Bruna Esposito, Flavio Favelli, Mimmo Jodice, Sabrina Mezzaqui, Liliana Moro, Luigi Ontani, Pietro Ruffo, Remo Salvadori and Luca Trevisani

The MAXXI National Museum of 21st Century Arts collection is an ambassador for dialogue between peoples and an instrument of cultural diplomacy because bridges can be built through art against all closures and nationalisms. This is the exhibition CLASSIC RELOADED. MEDITERRANEA, curated by Bartolomeo Pietromarchi, which from 29 June to 2 September 2018 will be bringing a selection of works from the MAXXI Arte collection to Villa Audi - Mosaic Museum in Beirut and in November to the Bardo National Museum in Tunis. The project is part of the cultural programme that the Italian Ministry for Foreign Affairs and International Cooperation (MAECI) is staging in 2018 in the countries of the Middle East and North Africa, Italy, Cultures, the Mediterranean and in Beirut the exhibition had been produced in collaboration with the Italian Embassy in Lebanon, the Italian Cultural Institute in Beirut and the Sursock Museum.

CLASSIC RELOADED proposes the rereading and revitalisation of a shared heritage of identity, a cultural and artistic base from which it is possible to reprise a dialogue, to facilitate that comprehension between peoples that today is especially necessary, a true antidote to all forms of fundamentalism.

The exhibition is intended to represent, through 20 works by 13 Italian artists from the MAXXI collection in relation to the spaces and the works contained in Villa Audi and the Bardo, the culture of the “sea between the lands”, that cultural independence that is at the same time open to the other, that co-existence between peoples, that relationship between local and global, that has always characterised the Mediterranean.

The contemporary art works will dialogue, in Beirut, with the splendid II-VI century AD Roman mosaics of Villa Audi and, in Tunis, with the architecture and the ornamental decorations of the Petit Palais at the Bardo Museum.

The reference to the Byzantine tradition of the gold ground in Senza Titolo by Gino De Dominicis will become clear, as will the ironic reference to Roman mythology in Lapsus Lupus by Luigi Ontani. The installation by Remo Salvadori La stanza dei verticali, with the sensual use of copper and the reference to the fundamental concepts of geometry refers us to classical architecture, while in the sculptures by Bruna Esposito in polychrome marble and bamboo brushes, the domestic and architectural dimensions are combined.                                                                                                                                                                                                          With his photos, Mimmo Jodice reinterprets and gives new life to sculptures, paintings and mosaics from the classical period, while Flavio Favelli with his collage of rugs of diverse origins that make up his Fiori Persiani reproduces that culture of dialogue and encounter that is part of the Mediterranean identity. The ceramics of Salvatore Arancio takes us back to local popular traditions with archaic and mythological references, the works of Sabrina Mezzaqui draw on a millennial culture of the highest quality craftsmanship, the practice of embroidery and cutting, which dialogues perfectly with the Moorish decorations. Pietro Ruffo instead references an aniconic and ornamental aesthetic of an Arabic-Muslim matrix in Icosaedro, while the compositions of Luca Trevisani question presence and absence, fragility and equilibrium, pairings on which classic sculpture is based. The show concludes with a work by Liliana Moro: the sound of birdsong whistled by the artist herself, which acts as a counterpoint to the ornamental motifs of the rooms; two further works examine the cult of death, burial and hypogeums: Mother, the subterranean fakir by Maurizio Cattelan and Porta addormita by Enzo Cucchi, a sculpture-picture with bunches of skulls, works capable of capturing our attention and accompanying us beyond the threshold.

On the occasion of the exhibition on Friday 29 June at 6:00 PM there will be a tour with the curator and MAXXI Arte Director Bartolomeo Pietromarchi followed by a talk at the Sursock Museum Auditorium with the artists Enzo Cucchi and Remo Salvadori in conversation with Bartolomeo Pietromarchi.

22/6/2018 - CARLO GABRIELE TRIBBIOLI | THAT'S IT! SULL'ULTIMA GENERAZIONE DI ARTISTI IN ITALIA E A UN METRO E OTTANTA DAL CONFINE, MAMBO, BOLOGNA, ITALY

Exhibition dates: June 22nd - November 11st, 2018 Il MAMbo apre la programmazione espositiva del suo spazio principale - la…

Exhibition dates: June 22nd - November 11st, 2018

Il MAMbo apre la programmazione espositiva del suo spazio principale - la Sala delle Ciminiere - sotto la direzione artistica di Lorenzo Balbi, con That’s IT! Sull'ultima generazione di artisti in Italia e a un metro e ottanta dal confine, una mostra che presenta i lavori di 56 tra artisti e collettivi nati dal 1980 in avanti, esplorando differenti media e linguaggi.

L’esposizione, dal taglio dichiaratamente generazionale, indaga gli sviluppi più recenti dell’arte nel nostro Paese, coerentemente con un preciso posizionamento nel panorama italiano e internazionale che il MAMbo ha scelto di darsi.

That’s IT! (IT come codice dell’Unione Europea che individua la sigla dell’Italia) non si sviluppa, volutamente, intorno a un concept unitario e monolitico, ma propone interrogativi e possibili letture della contemporaneità in una prospettiva aperta, dialettica e magmatica. Ha ancora senso oggi definire un artista “italiano”? Cosa contribuisce a determinare la definizione di “italianità”? Tale definizione ha delle conseguenze sull’autorappresentazione dell’artista? Dove e come poniamo il confine geografico e generazionale? La mostra propone alcune tra le possibili risposte.

Matilde Cassani (1980), Giuseppe De Mattia (1980), Margherita Moscardini (1981), Michele Sibiloni (1981), Riccardo Benassi (1982), Ludovica Carbotta (1982), Danilo Correale (1982), Andrea De Stefani (1982), Giulio Squillacciotti (1982), Marco Strappato (1982), Carlo Gabriele Tribbioli (1982), Ian Tweedy (1982), Invernomuto (Simone Trabucchi, 1982 e Simone Bertuzzi, 1983), Francesco Bertocco (1983), Giovanni Giaretta (1983), Lorenzo Senni (1983), Alberto Tadiello (1983), IOCOSE (Filippo Cuttica, 1983, Davide Prati, 1983, Matteo Cremonesi, 1984 e Paolo Ruffino, 1984), Elia Cantori (1984), Giulio Delvè (1984), Elena Mazzi (1984), Diego Tonus (1984), Calori&Maillard (Violette Maillard, 1984 e Letizia Calori, 1986), Federico Antonini (1985), Alessio D’Ellena (1985), Nicolò De Giorgis (1985), Riccardo Giacconi (1985), Adelita Husni-Bey (1985), Diego Marcon (1985), Ruth Beraha (1986), Elisa Caldana (1986), Roberto Fassone (1986), Francesco Fonassi (1986), Petrit Halilaj (1986), Andrea Kvas (1986), Beatrice Marchi (1986), The Cool Couple (Niccolò Benetton, 1986 e Simone Santilli, 1987), Filippo Bisagni (1987), Benni Bosetto (1987), Lia Cecchin (1987), Alessandro Di Pietro (1987), Stefano Serretta (1987), Giulia Cenci (1988), Tomaso De Luca (1988), Julia Frank (1988), Marco Giordano (1988), Orestis Mavroudis (1988), Valentina Furian (1989), Parasite 2.0 (Stefano Colombo, 1989, Eugenio Cosentino, 1989 e Luca Marullo, 1989), Alice Ronchi (1989), Emilio Vavarella (1989), Irene Fenara (1990), Angelo Licciardello (1990) & Francesco Tagliavia (1992), Caterina Morigi (1991), Margherita Raso (1991), Guendalina Cerruti (1992).

15/6/2018 - SALVATORE ARANCIO | PAESAGGI MENTALI / TRAIETTORIE ARTIFICIALI (GROUP SHOW CURATED BY LORENZO BRUNI), MANIFESTA12 COLLATERAL EVENTS, MUSEO DI GEOLOGIA G.G. GEMMELLARO, PALERMO, ITALY

Exhibition dates: June 15th - Semptember 30th, 2018 La mostra “Paesaggi Mentali / Traiettorie Naturali”, a cura di Lorenzo Bruni,…

Exhibition dates: June 15th - Semptember 30th, 2018

La mostra “Paesaggi Mentali / Traiettorie Naturali”, a cura di Lorenzo Bruni, evento collaterale di Manifesta 12 - Biennale itinerante d’arte internazionale - e nel calendario ufficiale di Palermo Capitale della Cultura 2018, aprirà i battenti giovedì 14 giugno alle ore 18.00 al Museo di Geologia “G.G. Gemmellaro” di Palermo in collaborazione con SIMUA - Sistema Museale di Ateneo.

La mostra, curata da Lorenzo Bruni, riflette sulle prerogative che può avere oggi il concetto di paesaggio “ideale” sia dal punto di vista naturale che da quello dell’interazione interculturale. L’intento del progetto è di considerare il paesaggio in quanto territorio da condividere nelle esperienze della sua scoperta, ma anche nella riattivazione del concetto di comunità. Gli artisti invitati ad intervenire all’interno del Museo di Geologia, in dialogo con la sua collezione e il suo particolare display museale, sono Maurizio Nannucci, Antoni Muntadas e Marinus Boezem – storici artisti di fama internazionale, attivi fin dagli anni Sessanta, e tra i primi a confrontarsi con il dialogo tra natura, cultura e linguaggio - e artisti mid-career Salvatore Arancio, Domenico Mangano & Marieke van Rooy e Paolo Parisi. Questi ultimi, siciliani che hanno scelto da lungo tempo di vivere e lavorare al di fuori dell’isola, in quest’occasione sono stati chiamati a riflettere sul tema del viaggio e della memoria per realizzare appositamente per la mostra dei lavori connessi al loro ripensare alla Sicilia. I mezzi adottati e suggeriti dagli artisti per indagare il dialogo tra l’io, l’attorno, il senso di appartenenza e le modalità di trasmissione del sapere al tempo del digitale sono quelli legati al concetto di viaggio. Al fine di sottolineare la necessità di acquisire una sempre maggiore coscienza del contesto fisico e mentale con cui l'osservatore interagisce con la realtà globale e immateriale dell'informazione, sono stati invitati altri tre artisti – Stefania Galegati Shines, David Medalla e Gianni Melotti – per realizzare dei progetti speciali legati alla comunicazione della mostra per proporre una prospettiva inedita sul ruolo del museo al tempo degli archivi digitali istantanei.

Il progetto, inserito tra gli eventi collaterali di Manifesta 12 e Palermo Capitale della Cultura 2018, è stato realizzato grazie alla collaborazione con AANT_Factory all’interno di AANT – Accademia di Arti e Nuove Tecnologie di Roma, che si è occupata della grafica e della comunicazione dell’evento, con SIMUA – Sistema Museale di Ateneo e grazie al supporto di FAM – Fabbriche Chiaramontane di Agrigento e di Magonza Editore di Arezzo, che pubblicherà il catalogo.

 

// ENGLISH VERSION

 

The exhibition “Mental Landscapes / Natural Trajectories,” curated by Lorenzo Bruni, a collateral event of Manifesta 12 – the European Nomadic Biennial – and part of the official calendar of Palermo Capital of Culture 2018, will open on Thursday, June 14 at 6pm at the “G.G. Gemmellaro" Geological Museum in Palermo, in collaboration with SIMUA, the city’s University Museum System.

The exhibition, curated by Lorenzo Bruni, reflects on the prerogatives that could today express the concept of the “ideal” landscape from both a nature and intercultural interaction perspective.

The purpose of the project is to consider landscapes as territories to share in experiencing its discovery, as well as in the reinstatement of the concept of community. The artists invited to intervene in the Geological Museum, thus entering into a dialogue with the collection and its particular museum display, are Maurizio Nannucci, Antoni Muntadas and Marinus Boezem, internationally renowned artists that have been active since the 1960s and among the first to explore the dialogue between nature, culture and language, as well as three mid-career as Salvatore Arancio, Domenico Mangano & Marieke van Rooy and Paolo Parisi. These artists of Sicilian origin that long ago chose to live and work off the island analyse memory and their comeback in Sicilia to create site specific works. The journey and the dynamics of dialogue are adopted and evoked by the artists to create the various reflections connected to the theme of the discourse between the id, our surroundings, the sense of belonging and the manner of conveying know-how in the digital age. To underline the need for increasing awareness about both the physical and mental context within which the observer interacts with the global and intangible reality of information, three additional artists were invited – Stefania Galegati Shines, David Medalla and Gianni Melotti – to create specific projects tied to communicating the overall project and to suggest an innovative perspective of the role of the museum in this era of instant digital archives.

The project, a collateral event of Manifesta 12 and Palermo Capital of Culture 2018, was made possible thanks to the collaboration with AANT_Factory at AANT, Accademia di Arti e Nuove Tecnologie in Rome, which was responsible for the event’s graphic design and communication, SIMUA, Palermo’s University Museum System, and FAM – Fabbriche Chiaramontanee in Agrigento, as well as with Magonza Editore in Arezzo, who will publish the catalogue.

15/6/2018 - SALVATORE ARANCIO | IL RICHIAMO DI CTHULHU (GROUP SHOW CURATED BY LORENZO BENEDETTI), MANIFESTA12 COLLATERAL EVENTS, PALAZZO MAZZARINO, PALERMO, ITALY

Exhibitions dates: June 15th – November 4th, 2018   Curated by Lorenzo Benedetti  

Exhibitions dates:

June 15th – November 4th, 2018

 

Curated by Lorenzo Benedetti

 

27/4/2018 - ISHMAEL RANDALL WEEKS | A COSA SERVE L'UTOPIA, GALLERIA CIVICA DI MODENA, MODENA, ITALY

Exhibition dates: April 28th - July 22nd, 2018 Opening: April 27th, 6.00 pm   A cosa serve l'utopia a cura…

Exhibition dates: April 28th - July 22nd, 2018

Opening: April 27th, 6.00 pm

 

A cosa serve l'utopia

a cura di Chiara Dall’Olio e Daniele De Luigi

Galleria Civica di Modena

Sale superiori, Palazzo Santa Margherita

Corso Canalgrande 103, Modena

Inaugura venerdì 27 aprile 2018 alle ore 18 alla Galleria Civica di Modena la mostra A cosa serve l’utopia, a cura di Chiara Dall’Olio e Daniele De Luigi, prodotta da FONDAZIONE MODENA ARTI VISIVE nell’ambito del festival Fotografia Europea dedicato quest’anno al tema “RIVOLUZIONI. Ribellioni, cambiamenti, utopie.”

Il titolo della mostra è tratto dal paragrafo “Finestra sull’utopia” del volume Parole in cammino di Eduardo Galeano (1940-2015). Lo scrittore uruguaiano descrive l’utopia come un orizzonte mai raggiungibile, che si allontana da noi di tanti passi quanti ne facciamo. Chiedendosi “a cosa serve l’utopia”, si risponde “a camminare”.

Coniato nel Cinquecento da Thomas More, il termine utopia è passato progressivamente nel corso dei secoli a indicare non solo un luogo astratto o irraggiungibile, ma anche un progetto di società possibile, in cui perseguire obiettivi concreti come l’uguaglianza sociale, i diritti universali, la pace mondiale. Le rivoluzioni del Novecento ne hanno delineato una duplice natura: da una parte sogno concreto, speranza nel cambiamento, fiducia nel futuro; dall’altra capovolgimento in distopia, un modello di società che reprime le libertà dell’uomo e lascia un’amara disillusione verso gli ideali infranti o traditi.

La mostra esplora la tensione tra queste due dimensioni attraverso una selezione di fotografie e video di artisti e fotografi italiani e internazionali, provenienti dai patrimoni collezionistici gestiti da FONDAZIONE MODENA ARTI VISIVE e appartenenti alla Fondazione Cassa di Risparmio di Modena e al Comune di Modena/Galleria Civica, nello specifico la Raccolta della Fotografia avviata nel 1991 con la donazione della raccolta dell’artista e fotografo modenese Franco Fontana.

Le opere delle collezioni modenesi sono poste in dialogo con una serie di immagini scelte dagli archivi della Magnum, la prestigiosa agenzia fondata a New York e Parigi nel 1947 da Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, George Rodger e David Chim Seymour. Le fotografie Magnum, stampate su grande formato, ritraggono attraverso l’occhio di celebri fotoreporter come Abbas, Bruno Barbey, Ian Berry e Alex Majoli, momenti culminanti di rivolta divenuti iconici nell’immaginario collettivo come il Sessantotto a Parigi e Tokyo, la caduta del Muro di Berlino nel 1989, oppure il movimento per i diritti civili negli Stati Uniti negli anni Sessanta fino alla Primavera araba.

A cosa serve l’utopia istituisce una duplice dialettica: quella tra la ciclica alternanza di costruzione e frantumazione di un ideale, ma anche un dialogo serrato tra immagini create per differenti scopi — le une usate per raccontare a caldo sui media l’attualità politica, le altre per riflettere a freddo su fallimenti e cambiamenti, eredità e prospettive — che dà vita a un confronto tra pratiche fotografiche apparentemente contrastanti eppure profondamente connesse.

Il percorso espositivo inizia con uno scatto emblematico del 1968 in cui studenti parigini, fotografati da Bruno Barbey si passano di mano in mano dei sampietrini. Segue Omaggio ad Artaud di Franco Vaccari che celebra il potere dell’invenzione linguistica di far immaginare ciò che non esiste, e prosegue con alcune immagini evocative dell’utopia comunista: dopo la gigantografia di Lenin fotografata da Mario De Biasi a Leningrado (1972), appare l’immagine creata dal rumeno Josif Király di alcuni ragazzi che nel 2006 passano il tempo libero seduti su una statua abbattuta del leader sovietico. Piazza San Venceslao a Praga nel 1968, fotografata da Ian Berry e gremita di giovani che si ribellavano all’occupazione russa, fa da contraltare alle opere che mostrano la sorte beffarda che subiscono talvolta le icone delle rivoluzioni: è il caso della serie Animal Farm (2007) della ceca Swetlana Heger, che mostra sculture di animali presenti nei parchi di Berlino le quali, secondo le informazioni raccolte dall'artista, sarebbero state realizzate con il bronzo della monumentale statua di Stalin rimossa nel 1961 dalla Karl-Marx-Allee; oppure di Sale of Dictatorship (1997-2000) dello slavo Mladen Stilnović, in cui i ritratti di Tito passano dalle vetrine dei negozi alle bancarelle dei mercatini di memorabilia.

Il percorso prosegue con alcune immagini riferite al Medioriente e ai suoi conflitti mai sanati: da quello iraniano con la rivoluzione khomeinista, testimoniata da uno scatto di Abbas nel 1978 e la rilettura fatta di quegli eventi in Rock, Paper, Scissors (2009) da Jinoos Taghizadeh — che marca l’enorme distanza che separa speranze di cambiamento e realtà — al conflitto israelo-palestinese, evocato dalle torri militari di avvistamento presenti in Cisgiordania che Taysir Batniji ha chiesto di documentare clandestinamente a un fotografo palestinese (2008), fino alle lettere che un detenuto libanese, imprigionato durante l’occupazione israeliana nel Libano meridionale, ha inviato dal carcere ai suoi cari e che Akram Zaatari ha fotografato nel lavoro Books of letters from family and friends (2007). Completa questo gruppo di opere uno scatto di Charles Steele-Perkins che racconta proprio quei disordini del 1982.

La difesa della memoria storica intesa non solo come un omaggio alle vittime delle ingiustizie passate, ma anche come un atto di resistenza contro quelle future, è presente nella ricerca condotta in Cile da Patrick Zachmann sui luoghi teatro dei crimini del regime di Pinochet. Una serie di ritratti (tra gli altri di Francesco Jodice, Luis Poirot, Melina Mulas) incarnano altrettante e diverse forme di resistenza attive e passive, che si oppongono tanto a brutali repressioni quanto a forme di segregazione o controllo sociale in Tibet come in Giappone o in Tunisia. Due fotografie del 1963 di Leonard Freed rappresentano il sogno di uguaglianza del Movimento per i diritti civili in America. Il breve video dell’artista di origini peruviane Ishmael Randall Weeks rende onore, con una poetica metafora, a chi lotta per non cadere. Le opere di Filippo Minelli e del collettivo Zelle Asphaltkultur, pur frutto di azioni artistiche assai differenti (l’innesco di fumogeni colorati in contesti naturali idilliaci il primo, la realizzazione illegale di grafiche di esplosioni su vagoni ferroviari il secondo), sfruttano l’immaginario comune legato ai disordini e alla violenza per riflettere sul senso che esso assume nel mondo contemporaneo. La mostra si chiude con una delle utopie oggi più diffuse, quella pacifista, che proietta sull'intera comunità umana il sogno dell’assenza di conflitto e di una fratellanza universale. Il video di Yael Bartana A Declaration (2006) in cui un uomo a bordo di un’imbarcazione approda su uno scoglio dove campeggia una bandiera israeliana e la sostituisce con un albero di ulivo, sembra indicarci ciò che è necessario per perseguire questo ideale: visionarietà, coraggio, simboli condivisi, poesia.

Galleria Civica di Modena e Fondazione Fotografia Modena fanno parte – insieme a Museo della Figurina – di FONDAZIONE MODENA ARTI VISIVE, istituzione diretta da Diana Baldon e dedicata alla presentazione e alla promozione dell'arte e delle culture visive contemporanee.

Con opere di: Abbas, Bruno Barbey, Yael Bartana, Taysir Batniji, Ian Berry, Fabio Boni, Mario De Biasi, Leonard Freed, Paula Haro Poniatowska, Swetlana Heger, Alejandro Hoppe, Jorge Ianiszewski, Francesco Jodice, Iosif Király, Alex Majoli, Filippo Minelli, Daido Moriyama, Melina Mulas, Oscar Navarro, Ulises Nilo, Luis Poirot, Mark Power, Ishmael Randall Weeks, Aldo Soligno, Chris Steele-Perkins, Mladen Stilinović, Jinoos Taghizadeh, Franco Vaccari, Pedro Valtierra, Akram Zaatari, Patrick Zachmann, Zelle Asphaltkultur.

14/4/2018 - PATRICK TUTTOFUOCO | HETEROCHROMIC (ROSA E CARLO), GALLERIA CRACCO, MILAN, ITALY

Exhibition Dates: April 14th - September 30th, 2018 L’innovativo ristorante di Carlo Cracco in Galleria Vittorio Emanuele II a Milano…

Exhibition Dates: April 14th - September 30th, 2018

L’innovativo ristorante di Carlo Cracco in Galleria Vittorio Emanuele II a Milano si lega all’arte
e alla creatività inaugurando, venerdì 13 aprile 2018, Galleria Cracco by Sky Arte, un progetto
che nasce con la volontà di coinvolgere una serie di artisti italiani contemporanei nel realizzare
tre volte l’anno interventi site specific per le “lunette” che sovrastano le vetrine del ristorante
dello chef stellato.
Galleria Cracco è un progetto nato dall’idea dello chef insieme all’agenzia di comunicazione
Paridevitale e a Sky Arte HD, il primo canale televisivo dedicato all’arte in tutte le sue forme.
Saranno tre vetrine d’arte con una vocazione “pubblica”, fruibile 24 ore su 24, e gratuitamente,
da tutti coloro che attraverseranno la Galleria Vittorio Emanuele, luogo simbolo di Milano, che vede
oltre 100.000 visitatori al giorno.
Patrick Tuttofuoco: Heterochromic (Rosa e Carlo)
La prima installazione site specific ad inaugurare Galleria Cracco è Heterochromic (Rosa e
Carlo) dell’artista Patrick Tuttofuoco, risultato di una riflessione intimamente legata al concetto
di identità.
“Nella mia ricerca sono sempre interessato al fenomeno della ‘polarità’; che si tratti di dicotomia o
fusione, quello che cerco di fare è indagare quei fenomeni secondo cui dalla giustapposizione di
due elementi prende vita una forma sola, un concetto unico, visibile e comprensibile”, afferma
Patrick Tuttofuoco. “In Heterochromic i due elementi su cui mi sono trovato a riflettere sono Carlo
Cracco e Rosa Fanti, sua compagna di vita nel senso più ampio, e di come le due identità uomo e
donna si possano fondere in un progetto così importante”.

L’innovativo ristorante di Carlo Cracco in Galleria Vittorio Emanuele II a Milano si lega all’arte e alla creatività inaugurando, venerdì 13 aprile 2018, Galleria Cracco by Sky Arte, un progetto che nasce con la volontà di coinvolgere una serie di artisti italiani contemporanei nel realizzare tre volte l’anno interventi site specific per le “lunette” che sovrastano le vetrine del ristorante dello chef stellato.

Galleria Cracco è un progetto nato dall’idea dello chef insieme all’agenzia di comunicazione Paridevitale e a Sky Arte HD, il primo canale televisivo dedicato all’arte in tutte le sue forme. Saranno tre vetrine d’arte con una vocazione “pubblica”, fruibile 24 ore su 24, e gratuitamente, da tutti coloro che attraverseranno la Galleria Vittorio Emanuele, luogo simbolo di Milano, che vede oltre 100.000 visitatori al giorno.

La prima installazione site specific ad inaugurare Galleria Cracco è Heterochromic (Rosa e Carlo) dell’artista Patrick Tuttofuoco, risultato di una riflessione intimamente legata al concetto di identità. “Nella mia ricerca sono sempre interessato al fenomeno della ‘polarità’; che si tratti di dicotomia o fusione, quello che cerco di fare è indagare quei fenomeni secondo cui dalla giustapposizione di due elementi prende vita una forma sola, un concetto unico, visibile e comprensibile”, afferma Patrick Tuttofuoco. “In Heterochromic i due elementi su cui mi sono trovato a riflettere sono Carlo Cracco e Rosa Fanti, sua compagna di vita nel senso più ampio, e di come le due identità uomo e donna si possano fondere in un progetto così importante”.

L’artista ha trasformato così due lunette di Galleria Cracco in due occhi, quello di Carlo e di Rosa, rendendoli come parti di uno stesso individuo: è l’evocazione di un’entità unica che presenta iridi diverse – da qui il titolo dell’opera, Heterochromic, rimando alla caratteristica somatica che causa in una stessa persona occhi dai colori differenti. L’artista con questo lavoro pone dichiaratamente l’attenzione su come la singolarità possa comporre un organismo unico, pur garantendone un’identità mista, non gerarchica, rizomatica, anche confusa a tratti, ma sicuramente più aperta e densa.

La scelta di rappresentare la vista deriva dalla forte condivisione tra Tuttofuoco e Cracco di questo senso nelle rispettive ricerche: l’artista e lo chef infatti – seppur con strumenti diversi – sono legati da una comune ricerca in termini estetici e dal conseguente impulso-bisogno di comunicarla, condividerla, renderla assaporabile anche dagli altri. La riflessione di Tuttofuoco, inoltre, non ha potuto non coinvolgere il contesto: la Galleria Vittorio Emanuele II infatti è un luogo pieno di carattere, chiaramente identificabile, un’altra identità forte con cui è stato inevitabile misurarsi. La peculiarità artistica e architettonica della Galleria, insieme alla cura del progetto di restauro del Ristorante Cracco, hanno diretto l’artista nella scelta del media da usare per questo lavoro. Heterochromic (Rosa e Carlo) si compone quindi di neon, materiale – unico nella sua specificità –, dalla dichiarata connotazione artigianale, poetica, elegante, protagonista contemporaneo, eppure allo stesso tempo tradizionale, della storia dell’arte più recente.

Ospitando Galleria Cracco, il nuovo ristorante di Carlo Cracco conferma ulteriormente la sua volontà di porsi come un luogo di sperimentazione, in cui la creatività diventa il fil rouge tra il food – in primis –, l’architettura, il design, l’arte: è l’eccellenza del saper fare italiano, declinata in forme diverse, la vera protagonista.

In occasione di miart, la ventitreesima edizione della fiera internazionale d’arte moderna e contemporanea di Milano, Patrick Tuttofuoco sarà inoltre protagonista in fiera di un allestimento presso il booth C26 Pad 3 della galleria Federica Schiavo Gallery.